中国の花鳥画は、少なくとも1,300年にわたって続く、もうひとつの植物芸術の系譜です。制作中に私は何度もこの系譜に立ち返ります。ヨーロッパの植物画がずっと遅れてから問いはじめる標本描写の疑問に、花鳥画はすでに答えているからです。ヨーロッパの本草書の伝統が本格的に始まるのは、1530年代のフックスとブルンフェルスからです。一方、huāniǎohuà（花鳥畫、「花と鳥の絵」）と呼ばれる中国の伝統は、9世紀の唐代後期にはすでに成熟していました。ヨーロッパで本草書が登場するころには、宋代の画院が同じ主題、つまり植物とそれに頼って生きる動物の綿密な観察について、600年にわたる洗練された仕事を積み重ねていました。この歴史は、メトロポリタン美術館などの機関によって詳しく記録されています。
TL;DR
Chinese flower-and-bird painting (huāniǎohuà) emerged as a distinct genre in the Tang Dynasty (618–907 CE) and reached its peak under Emperor Huizong (r. 1100–1126), who personally directed the Northern Song imperial painting academy and set standards of botanical accuracy that influenced East Asian art for the next thousand years.
| 項目 | 内容 |
|---|---|
| 中国語名 | Huāniǎohuà（花鳥畫）、直訳は「花・鳥・絵」 |
| 成立の時期 | 唐代（西暦618–907年） |
| 最盛期 | 宋代（960–1279年）、とくに徽宗（在位1100–1126年）のもとの北宋 |
| 基本原理 | qì yùn shēng dòng（氣韻生動）、「精神の響き、生命の動き」（謝赫、5世紀） |
| 二人の礎となった巨匠 | 黄筌（903–965年、宮廷様式）と徐熙（886–975年、文人様式） |
| 主な技法 | 工筆（Gōngbǐ）、細密な輪郭線に、色を幾重にも重ねる彩色 |
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中国の花鳥画とは何か
いちばん簡単に答えるなら、中国の花鳥画は綿密な観察に基づく絵画のジャンルです。1、2羽の鳥や昆虫、小さな哺乳類を、特定の植物との関係のなかに描きます。その範囲は名前よりも広く、huāniǎohuà には果実、野菜、花をつけた枝、昆虫、魚、そして植物の近くに暮らす小さな生きものも含まれます。この範囲は、ヨーロッパの博物画がやがて行き着いたものと、ほぼ同じです。マリア・シビラ・メーリアンは、スリナムの毛虫をその食草とともに描いたときに、そこにたどり着きました。
このジャンルを特徴づけているのは、題材ではなく姿勢です。伝統の根には、5世紀の画家で批評家でもあった謝赫が述べた原理、qì yùn shēng dòngがあります。ふつう「精神の響きと生命の動き」と訳されます。植物の絵は、正確な輪郭と色だけでなく、その植物が育つ勢いまでとらえるべきだ、という意味です。牡丹はがくを押しのけて開きます。スズメの体重は枝をたわませます。これを、エーレットやフェルディナント・バウアーを経て発展したヨーロッパの植物画の考え方と比べてみてください。そこでの目標は同定のための明快さ、つまり最大限の情報を保ったまま固定された植物でした。中国の目標は、その明快さに、生きている瞬間を加えたものでした。どちらの伝統も植物を注意深く見つめましたが、見つめ方は違っていたのです。
花鳥画のはじまりと唐代
このジャンルは、唐代（西暦618–907年）に独立した専門分野として現れました。初期の中国帝国で、文化的な自信が最も高まった時代です。玄宗（在位712–756年）のような皇帝のもとで、宮廷の趣味は壮麗さを称えました。なかでも皇帝の花である牡丹は、宮殿の壁に華やかな細部とともに描かれました。唐の宮廷画家たちは、gōngbǐ（工筆、「細密な筆」）の技法を発展させました。先の細い筆で墨の輪郭線を引き、その内側を何層もの彩色で満たす方法です。アズライトやマラカイトなどの鉱物顔料が、作品に永続性と輝きを与えました。
唐代の絵そのものは、ほとんど残っていません。絹や紙が千年を生き延びることは、まれだからです。それでも技法は、模写や、書かれた画論、のちに発見された墓の壁画を通じて受け継がれました。そして受け継がれた根本の考えは、花を真剣に描くことは宮廷の営みである、というものでした。それは皇帝の後援に値し、体系的に教えるに値することでした。この文化的な地位がジャンルを守り、成熟するための時間を与えました。同じ時代のヨーロッパには、これに匹敵するものはありませんでした。いちばん近いのは、中世の本草書に見られる修道院の写本彩飾でしたが、規模ははるかに小さく制約も多く、実物から描くより古い典拠を写すことがまだ中心でした。
黄筌と徐熙：五代に分かれた二つの道
9世紀末から10世紀にかけて、二人の巨匠が、その後千年にわたって中国の花鳥画がたどる二つの道を定めました。黄筌（903–965年）は蜀の宮廷で活動し、細密で色彩の鮮やかな宮廷様式を洗練させました。彼の鳥は羽一枚ごとの正確な細部で描かれ、花は満開の姿で表されました。画面全体が豊かさを放っていました。その様式は、皇帝の注文制作の規範となりました。徐熙（886–975年）は江南地方で、宮廷に属さず独自に活動しました。彼は、より簡素で雰囲気を重んじる、墨を主体にして必要な箇所にだけ色を添える描き方をしました。構図はしばしば余白が多く、非対称でした。彼の様式は文人の伝統の手本となり、絵画は宮廷の誇示ではなく個人の表現であるという考え方を支えました。この違いについては、huāniǎohuà に関する学術文献がよく論じています。
この二つの様式は、競い合うというより、並び立っていました。真剣な画家は、主題や目的に応じて、どちらからも学ぶことができました。ヨーロッパに置き換えるなら、いちばん近いのは、本質的にはまだ個人的な観察にとどまっていたレオナルドの植物研究の仕上げられた図と、何世紀もあとにフランスで生まれた、華麗な彩色の宮廷制作との隔たりです。中国の伝統は、その両方を同時に生かし続けました。画院には宮廷様式、自宅の学者には文人様式。どちらかが支配的だったわけではなく、どちらも選べたのです。
徽宗と宋代の絶頂期
宋代（960–1279年）は、中国の花鳥画の黄金期です。その時代を一身に集約した人物が、徽宗（趙佶、在位1100–1126年）です。徽宗は自らも現役の画家でした。彼の鳥の絵は、近代以前の世界のどこで描かれたものと比べても、最も注意深く観察された動植物画に数えられます。彼はまた、翰林図画院を自ら率いました。入学試験も自分で出題しました。それは、のちの美術アカデミーがおこなうことをすべて先取りしているほど厳格なものでした。受験者は詩の一句を与えられ、それを解釈した絵を描くよう求められることがありました。植物の正確さの基準は厳しく、葉脈の誤りや季節外れの取り合わせは減点されました。
徽宗の治世の政治的な終わりは、破滅的でした。1127年の女真族の侵攻で北宋は滅び、皇帝は捕らわれの身のまま亡くなりました。しかし絵画の水準は、王朝を超えて生き延びました。杭州に再興された南宋の宮廷は、画院を継続しました。元（1279–1368年）と明（1368–1644年）はその技法を受け継ぎ、手を加えました。1730年代にヨーロッパの宮廷画家たちがエーレットから学んでいたころ、中国の画家たちは、すでに8世紀にわたる洗練された植物・動物の観察を生み出してきた伝統のなかで制作していました。ここは、英語圏の資料がしばしば軽く扱ってきた、植物芸術の世界史の一部分です。
花鳥画の象徴と題材
中国の花鳥画は、単なる装飾であったことはありません。伝統全体を通じて最も多く描かれた植物の題材は、梅、蘭、竹、菊の四つで、まとめて「四君子」と呼ばれます。それぞれに、儒教的な徳目、すなわち不屈、高潔、謙虚、忍耐が結びついています。牡丹は富と高い地位の花でした。蓮には仏教的な意味がありました。ザクロは多産を連想させました。宋代の絵を読む教養ある鑑賞者は、教養あるヨーロッパ人が紋章を読むように、花を読んでいました。題材は、徳や季節、社会的な地位についての表明だったのです。
鳥にも意味がありました。おしどりは夫婦の貞節、鶴は長寿、カササギは吉報でした。特定の花と特定の鳥の組み合わせは、しばしば暗号のようなメッセージになりました。早春の梅の枝にとまる一対のカササギは、「新しい年に幸せが訪れる」ことを意味しました。この点で中国の花鳥画は、のちにヨーロッパで発達したヴィクトリア朝の花言葉と大きく重なります。中国のそれには千年の先行がありました。しかも当初から、詩、絵画、書、贈り物の習慣と緊密に結びついていました。文化をまたぐマグノリアの象徴の重層性とも比べてみてください。今日私たちが「マグノリアの意味」として認識しているものの多くは、中国の伝統の下流にあります。
この伝統は、中国の国境で止まりませんでした。日本の画家たちは、一つの植物と一羽の鳥を組み合わせるという同じ形式を受け取り、そこから独自のものを生み出しました。花鳥絵は、宋代の巻物が決して果たせなかった形で、やがてヨーロッパの版画家たちのもとへ届きました。
ヨーロッパの植物画が中国の伝統から学べること
Fiurdelin のイラストレーションを描くとき、私はヨーロッパの植物画の伝統のなかで仕事をしています。基準は同定のための精密さ、白い背景に切り離された植物です。目標は、植物学者が画像だけで種を特定できるようにすることです。これは力強い伝統で、離れるつもりはありません。けれども中国の花鳥画は、ヨーロッパの伝統が取り戻すのにとても時間がかかるものを差し出してくれます。ヨーロッパの本草書は植物を切り離します。中国の huāniǎohuà は、植物を関係のなかに置きます。鳥との関係、昆虫との関係、季節、天候、詩の一句との関係です。現代の生態学的なイラストレーションは、この方向に戻りつつあります。その回復は、正直に見れば、1100年ごろの宋の宮廷画家たちが知っていたことの再発見に見えます。
この伝統が教えてくれる二つ目のことは、抑制です。宋代の花の習作は、たいてい絹の大部分が空白のままです。絵の具が占めるのは、視野のごく一部です。何も描かれていない空間が、実際に仕事をしています。それは空気であり、天候であり、植物が呼吸できるようにする、植物のまわりの不在です。ヨーロッパの植物画は、紙面を埋めがちです。ヨーロッパの伝統で制作したあと、数週間 huāniǎohuà を眺めるのは、有益な矯正になります。余白は構図の一部であることを、制作者に思い出させてくれます。埋めないことは、失敗ではないのです。
よくある質問
中国の花鳥画とは何ですか？
中国の花鳥画は huāniǎohuà（花鳥畫）と呼ばれ、綿密な観察に基づく絵画のジャンルです。植物を、その近くに暮らす鳥や昆虫、小さな動物との関係のなかに置いて描きます。唐代（西暦618–907年）に独立したジャンルとして現れ、12世紀初め、北宋の徽宗のもとで最盛期を迎えました。
中国の花鳥画は、ヨーロッパの植物画とどう違いますか？
ヨーロッパの植物画は、主に同定のための道具として発展しました。植物学者による同定を助けるため、植物を何もない背景から切り離しました。中国の花鳥画は、観察と表現の芸術として発展しました。植物を、季節や生きもの、そしてしばしば詩の一句との関係のなかに置きました。ヨーロッパの伝統の目標は情報です。中国の伝統の目標は、情報に加えて、生きた形の気（qì yùn shēng dòng）です。
徽宗とは誰で、なぜ植物芸術にとって重要なのですか？
徽宗（趙佶、在位1100–1126年）は、北宋の第8代皇帝です。優れた画家であり書家でもありました。翰林図画院を自ら率い、入学試験を出題し、自身でも鳥や花の習作を描きました。彼の正確さの基準は、その後8世紀にわたってこのジャンルを方向づけました。
この伝統には、どんな植物と鳥がよく登場しますか？
「四君子」は、最も一貫して描かれてきた四つの植物の題材で、梅、蘭、竹、菊です。それぞれに儒教的な徳目が結びついています。牡丹、蓮、ザクロもたびたび登場します。鳥では、カササギ、スズメ、おしどり、鶴、そして各種の小さな鳴き鳥が最も多く描かれます。特定の鳥と花の組み合わせは、しばしば吉兆を伝える暗号のようなメッセージでした。
この植物画はどこで印刷され、どのように発送されますか？
日本国内向けには、BOOTHでポスターとデジタル図版をご用意しています。ポスターは、pixivFACTORYが日本国内でマット紙に1枚ずつ印刷してお届けします（B3〜B1の5サイズ、額は付属しません）。額装プリントはプリントショップ（海外発送）でご覧いただけます。
より広い歴史のなかでの位置づけについて
中国の花鳥画は、人類の歴史のなかで最も長く続いた植物観察の伝統のひとつです。それは、ヨーロッパの本草書の伝統の下ではなく、並んで位置しています。The Living Canvas: A Journey Through Botanical Art, History & Modern Lifeは、文化をまたいで、平行し交差する植物芸術の物語をたどっています。Amazon では Amazon.com/dp/B0GHTD913P で入手でき、約13時間のオーディオブックとして Spotify などのプラットフォームでも聴けます。
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