Der Zusammenhang zwischen Natur und abstrakter Kunst

Der Zusammenhang zwischen Natur und abstrakter Kunst ist konkreter und historisch besser belegt, als es die allgemeine Behauptung „Künstler lassen sich von der Natur inspirieren“ vermuten lässt. Die organischen Formen, Strukturmuster und Farbbeziehungen in Pflanzen und natürlichen Systemen haben abstrakten Künstlern etwas Genaueres geliefert: ein visuelles Vokabular nicht willkürlicher Formen und Beziehungen – Kurven, Spiralen, Verzweigungen, Tonwertabstufungen –, das die Autorität trägt, durch evolutionäre Logik entstanden zu sein und nicht durch künstlerische Erfindung. Deshalb wirkt die langlebigste abstrakte Kunst eher zwangsläufig als willkürlich: Sie schöpft in einem realen Sinn aus Formen, die es sind.

Die prägende „Peitschenhieb“-Kurve des Jugendstils wurde unmittelbar vom Stängel eines Alpenveilchens abgeleitet. Georgia O’Keeffes Blumenbilder verwandeln botanische Beobachtung durch Maßstab und Vereinfachung. Kandinskys erste abstrakte Werke gingen aus Landschaftsstudien hervor. In jedem Fall ist die Abstraktion keine Abkehr von der Naturbeobachtung, sondern ihre Steigerung.

Der Peitschenhieb des Jugendstils	Hermann Obrist, 1895 – abgeleitet von der Stängelkurve des Alpenveilchens
Georgia O’Keeffe	Großformatige Blumenbilder, 1920er–1970er Jahre – botanische Motive, durch den Maßstab verwandelt
Wassily Kandinsky	Die ersten Abstraktionen gingen aus Farbstudien nach der Landschaft hervor, ca. 1908–1910
Mark Rothko	Farbfeldmalerei, die atmosphärische Eigenschaften und den Horizont evoziert
Fraktale Geometrie	Benoit Mandelbrot formalisierte 1975 natürliche Verzweigungsstrukturen – in der botanischen Illustration seit Jahrhunderten sichtbar
Botanische Illustration	Verbindet das Gegenständliche mit dem Abstrakten, indem sie strukturelle Wahrheit über die Oberflächenerscheinung stellt

Was die Natur der abstrakten Kunst gibt und die Erfindung nicht

Die abstrakte Kunst steht vor einem hartnäckigen Problem: Wie lassen sich visuelle Formen erzeugen, die bedeutungsvoll statt willkürlich wirken? Zufällige Formen und beliebige Farbkombinationen ergeben Werke, die zufällig erscheinen; rein geometrische Werke können mechanisch wirken. Die Formen, die beide Probleme vermeiden – die zugleich frei und zwangsläufig erscheinen –, stammen meist aus der Naturbeobachtung, denn natürliche Formen sind weder zufällig noch mechanisch. Sie sind das Ergebnis von Zwängen, die über die Zeit wirken: die Kurve eines Stängels, die auf strukturelle Effizienz hin optimiert wird; die Spirale einer Schnecke, die einem mathematischen Wachstumsmuster folgt; die Verzweigung eines Baumes, die Lasten verteilt und dabei die Reichweite maximiert.

Genau das hat die botanische Illustration schon immer verstanden. Die wissenschaftliche Genauigkeit, die von ihr verlangt wird, ist nicht bloß die Forderung, Dinge richtig aussehen zu lassen – sie ist die Forderung, strukturelle Wahrheit zu verstehen und zu vermitteln. Die besten botanischen Illustrationen sind in diesem Sinn abstrakt: Sie zeigen die zugrunde liegende Architektur der Pflanze, nicht nur ihre Oberfläche. Die Form, die sie offenlegen, ist dieselbe, die abstrakte Künstler des gesamten 20. Jahrhunderts so überzeugend fanden.

Jugendstil: der deutlichste Fall

Der Zusammenhang zwischen natürlicher Form und abstrakter Kunst ist im Jugendstil am deutlichsten belegt. Als Hermann Obrist 1895 seine „Peitschenhieb“-Stickerei aus der Stängelkurve eines Alpenveilchens ableitete, fand er nicht bloß eine gefällige organische Form – er gewann aus botanischer Beobachtung ein abstraktes Prinzip. Die Kurve eines Alpenveilchenstängels ist nicht dekorativ, sondern strukturell: das Ergebnis des Wuchsmusters, das einen nickenden Blütenkopf trägt. Dieser strukturelle Ursprung verlieh der abstrahierten Kurve eine visuelle Autorität, die rein erfundene Ziermotive nicht erreichen konnten.

Die gesamte Jugendstilbewegung lässt sich als anhaltendes Projekt botanischer Abstraktion lesen: die strukturelle Logik der Pflanzenformen – das spiralige Wachstum der Knospen, die Verzweigung der Stängel, die Krümmung zurückgeschlagener Blütenblätter – wurde herausgelöst und in ein visuelles Vokabular überführt, das in allen Medien anwendbar ist, von der Metallarbeit bis zur Architektur. Die Ironie liegt darin, dass diese angeblich „abstrakte“ Bewegung etwas tat, das dem sehr nahekam, was die botanische Illustration immer getan hatte: Pflanzen so genau zu betrachten, dass ihre zugrunde liegende strukturelle Logik verständlich wird.

Zu dieser Vereinfachung gelangte der Jugendstil nicht allein. Es gibt ein älteres Vorbild für dasselbe strukturelle Sehen im japanischen Vogel-und-Blumen-Druck, der eine Pflanze schon seit Jahrhunderten auf ihre wesentliche Linie reduziert hatte, bevor Obrist einen Alpenveilchenstängel zeichnete – und der in den 1860er-Jahren in großer Menge nach Paris gelangte, gerade als sich die Bewegung formierte.

Georgia O’Keeffe: botanische Beobachtung in anderem Maßstab

Georgia O’Keeffes großformatige Blumenbilder gehören zu den meistdiskutierten Werken der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts – und zu den am häufigsten missverstandenen. Oft werden sie als Abstraktionen von Blumen beschrieben, doch O’Keeffe beschrieb sie stets als genaue Darstellungen dessen, wie Blumen tatsächlich aussehen, wenn man sie aus der Nähe betrachtet. Die Abstraktion, so argumentierte sie, sei eine Funktion von Maßstab und Dauer des Hinsehens: eine Blume in einer Größe zu malen, in der die Betrachter sehen können, was sie sah, als sie stundenlang auf sie blickte.

Dies ist dasselbe Argument, das die botanischen Illustratoren des Goldenen Zeitalters vorbrachten, als sie die inneren Strukturen einer Blume neben ihrer äußeren Form zeigten: Wer eine Pflanze lange und genau genug betrachtet, entdeckt eine visuelle Welt, die dem beiläufigen Blick entgeht. O’Keeffes Beitrag bestand darin, dieses Argument über den Maßstab zu führen statt über Sezieren und Beschriften. Das Ergebnis ist ein Werk, das zugleich abstrakter und botanisch genauer ist als die meiste gegenständliche Blumenmalerei.

Muster, Fraktale und was die botanische Illustration schon wusste

Benoit Mandelbrot formalisierte 1975 die fraktale Geometrie und lieferte damit eine mathematische Sprache für die selbstähnlichen Verzweigungsstrukturen, die in der ganzen Natur vorkommen: in Bäumen, Flüssen, Küstenlinien, Lungengewebe und den Leitbündeln der Pflanzen. Abstrakte Künstler hatten mit diesen Mustern schon Jahrzehnte vor der formalen Mathematik intuitiv gearbeitet. Botanische Illustratoren aber gaben sie seit Jahrhunderten präzise wieder. Die Verzweigung der Leitbündel eines sezierten Blattes auf einer Tafel des Goldenen Zeitalters ist ein von Hand gezeichnetes Fraktaldiagramm, entstanden, bevor es den Begriff gab.

Das ist ein Grund dafür, dass die botanische Illustration an einer interessanten Schnittstelle zwischen gegenständlicher und abstrakter Kunst steht. Die Tafel eines botanischen Illustrators, die das Wurzelsystem, den Stängelquerschnitt und die Blattaderung einer Pflanze zeigt, erhebt denselben Anspruch wie die abstrakte Kunst: dass die zugrunde liegende strukturelle Logik einer Sache visuell interessanter und wahrer ist als ihre Oberflächenerscheinung. Das Medium ist gegenständlich; der Anspruch ist abstrakt.

Mark Rothko und die atmosphärische Logik des natürlichen Lichts

Mark Rothkos große Farbfeldleinwände werden meist im Hinblick auf ihre emotionale Wirkung besprochen – das Gefühl von Weite, von Licht, von etwas Leuchtendem hinter der Oberfläche. Weniger oft wird die atmosphärische Genauigkeit seiner Tonwertbeziehungen bemerkt. Die weichen, verschwommenen Übergänge zwischen Rothkos horizontalen Farbbändern geben die Qualität natürlichen Lichts in Übergangsmomenten genau wieder – Morgendämmerung, Abenddämmerung, bedeckter Nachmittag –, wenn eine Lichtsituation ohne harte Grenze in die nächste übergeht.

Dieselbe Qualität – nicht festzuhalten, wie ein Ding aussieht, sondern wie es sich anfühlt, es wahrzunehmen – findet sich in der besten botanischen Illustration. Rory McEwens botanische Gemälde auf Pergament erreichen durch die Transluzenz des Materials eine innere Leuchtkraft, die über die Oberflächengenauigkeit hinausgeht: Sie fangen etwas von der Qualität des Lichts ein, das durch ein Blütenblatt fällt, was keine rein gegenständliche Technik vermag. Das ist der Anspruch der abstrakten Kunst, ausgedrückt durch ein botanisches Motiv.

Die Tradition der botanischen Illustration als Brücke

Der Zusammenhang zwischen Natur und abstrakter Kunst ist letztlich ein Zusammenhang zwischen struktureller Wahrheit und visueller Form. Abstrakte Kunst im besten Fall entfernt sich nicht von der Natur – sie dringt in sie ein und geht über die Oberflächenerscheinung hinaus zur strukturellen Logik darunter. Die botanische Illustration hat immer versucht, dasselbe zu tun, mit anderen Konventionen und einem anderen Verhältnis zur Darstellung.

Deshalb wirken die besten botanischen Illustrationen in zeitgenössischen Interieurs neben abstrakter Kunst statt im Gegensatz zu ihr. Die diagnostische Präzision einer Tafel mit seziertem Blütenaufbau, die kompositorische Logik einer Wurzelsystemstudie, die Farbintelligenz einer geschichteten Aquarelllasur – das sind dieselben Qualitäten, die die abstrakte Kunst in ihrer ernsthaftesten Form verfolgt. Tradition und Bewegung stellen dieselben Fragen, wie sich natürliche Struktur sichtbar machen lässt; sie bedienen sich lediglich unterschiedlicher Methoden.

FAQ

Wie genau inspiriert die Natur die abstrakte Kunst?

Natürliche Formen liefern abstrakten Künstlern visuelle Strukturen, die weder zufällig noch mechanisch geometrisch sind – Kurven, Spiralen, Verzweigungsmuster, atmosphärische Tonwertabstufungen –, und die die Autorität evolutionärer Logik tragen. Diese Formen wirken zwangsläufig statt willkürlich. Der Jugendstil leitete sein prägendes Vokabular unmittelbar aus botanischer Beobachtung ab; O’Keeffes Blumen sind radikale Akte genauen botanischen Hinsehens; Kandinskys Abstraktionen gingen aus Farbstudien nach der Landschaft hervor. In jedem Fall lieferte die Natur den Ausgangspunkt für das visuelle Denken, nicht bloß ein Motiv zum Abbilden.

Was haben botanische Illustration und abstrakte Kunst gemeinsam?

Beiden geht es in erster Linie um strukturelle Wahrheit statt um Oberflächenerscheinung. Die botanische Illustration zeigt die zugrunde liegende Architektur einer Pflanze – ihre inneren Strukturen, Wuchsmuster, Bestimmungsmerkmale –, statt bloß darzustellen, wie sie in einem Moment aussieht. Die abstrakte Kunst versucht, die zugrunde liegende visuelle Logik eines Gegenstands oder einer Erfahrung zu zeigen statt sein wörtliches Erscheinungsbild. Der Anspruch ist derselbe; Methoden und Konventionen unterscheiden sich.

Waren Georgia O’Keeffes Blumenbilder botanische Illustrationen?

O’Keeffe beschrieb ihre großformatigen Blumenbilder stets als genaue Darstellungen dessen, wie Blumen aussehen, wenn man sie über längere Zeit aus der Nähe betrachtet – der Maßstab macht sichtbar, was genaues Hinsehen offenbart. Das ist kein typischer Ansatz der botanischen Illustration (die mit Sezieren und Beschriften strukturelle Details zeigt), teilt aber die zugrunde liegende Disziplin: anhaltende, aufmerksame Beobachtung, die ein wahrhaftigeres Bild hervorbringt, als flüchtiges Hinsehen es könnte.

Wie haben natürliche Muster zum visuellen Vokabular der abstrakten Kunst beigetragen?

Fraktale Verzweigungsstrukturen (in Bäumen, Flüssen, pflanzlichen Leitbündeln), das spiralige Wachstumsmuster von Pflanzen und Schalen, die weichen atmosphärischen Tonübergänge des natürlichen Lichts – all das lieferte abstrakten Künstlern nicht willkürliche visuelle Strukturen. Diese Muster waren von botanischen Illustratoren jahrhundertelang dokumentiert worden, bevor die abstrakte Kunst sie für sich beanspruchte. Die Peitschenhiebkurven des Jugendstils, die atmosphärischen Felder Rothkos, die formalistische Geometrie Mondrians: Jedes verdankt der Beobachtung natürlicher Struktur eine bestimmte Schuld.

Wo kann ich mehr über botanische Kunst und ihr Verhältnis zur breiteren Kunstgeschichte lesen?

Die Geschichte des Verhältnisses der botanischen Illustration zur breiteren bildenden Kunst – vom Naturalismus der Renaissance über die wissenschaftliche Illustration des Goldenen Zeitalters bis zur heutigen Berührung mit der abstrakten Praxis – wird in The Living Canvas: A Journey Through Botanical Art, History & Modern Life erkundet, einer 462 Seiten starken Geschichte des Fachs. Erhältlich unter Amazon.com/dp/B0GHTD913P.

Dieselbe Frage, verschiedene Methoden

Der Zusammenhang zwischen Natur und abstrakter Kunst ist nicht beiläufig – er ist konstitutiv. Die Formen, die die abstrakte Kunst in ihrer Geschichte am überzeugendsten fand, sind die Formen, zu denen die Natur durch Zwang und Zeit gelangt ist: die Kurve des Alpenveilchens, die Wachstumslogik der Spirale, die Selbstähnlichkeit des Fraktals. Die botanische Illustration macht diese Formen seit fünf Jahrhunderten sichtbar. Die beste botanische Illustration und die beste abstrakte Kunst leisten dieselbe Arbeit mit verschiedenen Mitteln: Sie zeigen uns strukturelle Wahrheiten über die natürliche Welt, die die Oberflächenerscheinung verbirgt. Stöbern Sie in der Fiurdelin-Kollektion nach botanischen Illustrationen, die in dieser Tradition strukturellen visuellen Denkens stehen.